The Decisive Moment: What Henri Cartier-Bresson Actually Meant

Le photographe Henri Cartier-Bresson a fait quelques remarques importantes sur la photographie, qui est souvent (à tort) traduite par “l’instant décisif”: “Capturer un événement éphémère et spontané, dans lequel l’image représente l’essence de l’événement.”

Beaucoup a été écrit sur l’expérience psychophysique des «moments décisifs», mais ces implications, bien qu’intéressantes et cool, ne sont pas ce dont parle Cartier-Bresson et les idées fausses qui émergent de ses écrits. Bien que cela puisse sembler un peu académique, je ne trouve pas l’écriture de Cartier-Bresson particulièrement instructive aujourd’hui, mais je pense aussi que le malentendu mine quiconque essaie d’apprendre la photographie de rue.

Première édition de 1952 Moment décisif d’Henri Cartier-Bresson.

Le nom du livre écrit par Cartier-Bresson en français en 1952 Photos à la Sauvette (“Images on the Run”) et une très courte revue du processus de photojournalisme, avec un excellent portfolio de son travail. Il s’agissait de prendre des photos dans un monde dynamique et mouvant. Il a utilisé le terme “moment décisif” dans son article avec un sens très précis, mais le terme a été adopté comme titre dans la traduction anglaise, engendrant une génération qui a complètement raté le point.

Remarque: Tous les extraits sont tirés du livre de Cartier-Bresson « Le moment décisif » Simon et Schuster/Editions Verve, 1952.

Le moment décisif ne concerne que la composition

Ici le moment décisif est décrit :

Si une photographie doit rendre son sujet dans toute son intensité, le rapport de forme doit être établi avec précision. La photographie implique la reconnaissance d’un rythme dans le monde des choses réelles. Ce que l’œil fait, c’est trouver et se concentrer sur un sujet particulier dans la masse de la réalité… La composition d’une photographie est le résultat d’une coalition simultanée, la coordination organique d’éléments visibles. Puisqu’il est impossible de séparer le contenu de la forme, cela n’ajoute pas de composition comme s’il s’agissait d’une réflexion après coup sur le sujet principal.

La composition doit avoir sa propre inévitabilité.

Mais il y a un moment en mouvement où les éléments en mouvement sont en équilibre. La photographie doit capturer ce moment et garder son équilibre. [emphasis mine]

Le moment décisif est une caractéristique du point de vue et du cadrage (et du moment, bien sûr) et immortalité sur l’essence de l’événement extérieur. Ce qu’il veut dire, c’est, dans le tourbillon de l’humanité et de la nature, l’occasionnel, de courte durée moments où les objets en mouvement s’alignent naturellement dans le cadre.

Cependant, il est vrai que lorsque tous ces éléments de composition sont alignés, ce que vous photographiez peut révéler quelque chose de magique et d’emblématique. Mais c’est un conclusion composition. Et l’attraper ne peut vraiment pas être réalisé avec une pensée organisée et une structure compulsive – cela se produit instinctivement, intuitivement, avec un instantané de l’obturateur.

La composition devrait être une de nos préoccupations constantes, mais elle ne peut venir que de notre intuition au moment de l’attraction, car nous sommes sur le point de saisir le moment de la fuite et toutes les interrelations pertinentes sont en mouvement.

Je pense que cette démonstration de physique est un bon exemple de la façon dont les objets en mouvement peuvent apparaître chaotiques et aléatoires dans le monde réel, mais périodiquement, à certains moments, il y a un motif et une harmonie qui se dissipent rapidement (vous voudrez peut-être couper le son). cette vidéo):

Le monde réel n’est clairement pas aussi structuré, mais ces émotions sont à la base de la capture des « moments décisifs », ces moments où les objets en mouvement offrent une harmonie visuelle.

De plus, en raison de cet emplacement, Cartier-Bresson plaide contre le recadrage, notant que si vous composez soigneusement dans la prise de vue, le recadrage ne créera pas les équilibres et l’harmonie qui vous manquent. On pourrait soutenir que de nombreuses photographies grandes et célèbres sont le résultat d’un recadrage – le portrait d’Arnold Newman de Stravinsky en est l’un des nombreux exemples – mais le désir de Cartier-Bresson de réaliser cet objectif à huis clos est louable (et peut également recadrer une “bonne” photo – ça le tue souvent) :

Si vous commencez à recadrer ou à recadrer une bonne photo, c’est la mort pour un jeu de proportions géométriquement correct. Aussi, il est très rare qu’une photographie mal composée puisse être récupérée en reconstituant sa composition sous une loupe de chambre noire ; l’intégrité visuelle n’est plus là.

par Henri Cartier Bresson Derrière la gare Saint-Lazare (1932) est souvent cité comme exemple de son “moment déterminant”.

Rejette la règle des tiers, la moyenne d’or et les autres règles

Plus important encore, Cartier-Bresson explique pourquoi les « règles » ne sont pas la façon dont la composition est faite. Et si le nombre d’or (et j’ajouterai, la règle de trois) est intéressant pour l’analyse, il n’a pas sa place dans la photographie :

Toute analyse géométrique, la réduction du tableau à un schéma, ne peut être faite (de par sa nature) qu’après que la photographie a été prise, développée et tirée – et ne peut alors être utilisée que pour l’examen post-mortem du tableau. . J’espère que nous ne verrons jamais le jour où les photoshops vendent de petites grilles de diagrammes pour serrer nos viseurs ; et la règle d’or ne se retrouvera jamais gravée dans notre verre dépoli. [emphasis mine]

Je pense que Cartier-Bresson est stupéfait par l’utilisation de grilles de règle des tiers parfois fournies dans les viseurs d’appareils photo, qui sont fondamentalement totalement inappropriées pour l’enseignement de la composition photographique.

Un état dynamique dans une seule image

Plus tôt dans le livre, il exprime sa passion pour capturer l’essence d’une situation dynamique en une seule image – la source de l’abus d'”un moment décisif” –

J’ai rôdé dans les rues toute la journée, me sentant très nerveux et prêt à sauter dessus, déterminé à “piéger” la vie – à préserver la vie dans l’acte de vivre. Avant tout, j’étais désireux de saisir toute l’essence d’une situation qui était en train de se dérouler sous mes yeux, dans les limites d’une seule photographie.

Il poursuit en définissant une «histoire» photographique, qui consiste en une série de photographies utilisées pour raconter un événement. Ceci est souvent combiné avec l’ambition ci-dessus. Mais il suggère qu’il serait inhabituel qu’une seule image transmette ce qu’une série d’images peut faire.

Parfois, il y a un tableau unique dont la composition a une telle vitalité et richesse, et dont le contenu en est si rayonnant, que ce tableau unique est une histoire en soi. Mais cela arrive rarement.

Hyères, France (1932) est un autre exemple fréquemment cité du concept de « moment décisif » de Cartier-Bresson.

Tir supplémentaire (ou moins)

Il met en garde contre l’excès; les photographes doivent trouver un équilibre entre prendre une tonne de photos et ne pas prendre suffisamment de photos et manquer quelque chose d’important. Un photographe doit se démarquer.

“[The real world] offre[s] une telle abondance de matière qu’un photographe doit se prémunir contre la tentation d’essayer n’importe quoi… » écrit Cartier-Bresson. “Il est très important d’éviter de tirer comme une mitraillette et de s’encombrer d’enregistrements inutiles…”

Ceci est particulièrement pertinent aujourd’hui, avec une faible friction lors du tournage et un déplacement de la charge vers une post-production intensive. Bien sûr, vous ne voulez pas manquer le moment, et il y a certainement des sujets partout qui peuvent être rendus intéressants, mais cela suggère que la portée doit être mesurée.

Photo sincère pour l’originalité

Cartier-Bresson discute de l’importance de rester caché pendant le tournage si vous voulez capturer quelque chose d’authentique. Gardez à l’esprit que le petit appareil photo haut de gamme est relativement nouveau, tout comme l’attrait de la photographie candide dont il est lui-même le défenseur. Dit:

Quelle que soit l’histoire illustrée que nous essayons de faire, nous devons arriver comme des intrus. Par conséquent, il est important d’aborder le sujet calmement – même s’il s’agit d’une nature morte. Une main de velours, un œil de faucon – ce sont des choses que nous devrions tous avoir.

Il dit que si votre intention de prendre des photos devient claire, vous devriez prendre du recul et mettre vos sujets à l’aise avec votre présence. “Lorsque le sujet est agité de quelque manière que ce soit, la personnalité se déplace hors de portée de l’appareil photo.”

Les défenseurs apparentés tournent à la lumière naturelle afin de ne pas gâcher la scène réelle. “De plus, aucune photo n’a été prise à l’aide d’une lampe de poche, même par manque de respect pour la lumière réelle – même lorsqu’il n’y en avait pas. À moins qu’un photographe n’observe de telles conditions, il peut devenir un personnage intolérablement agressif.”

Sur la recherche d’un sujet

Cartier-Bresson fait valoir que beaucoup d’autres ont avancé – il n’y a pas de fin au sujet possible (et, comme Elliott Erwitt l’a dit des années plus tard, que la photographie concerne davantage la façon dont vous la voyez que l’objet.)

“Tout ce qui se passe dans le monde a un sujet…” dit Cartier-Bresson, “La plus petite chose en photographie peut être un grand sujet.” Expliquant la différence entre photographier des objets et des moments, il poursuit : « Le sujet n’est pas une collection de faits… ». “Il y a mille façons de distiller l’essence de quelque chose qui nous fascine.”

Alors qu’elle essaie de photographier des portraits et des visages et de capturer l’identité du modèle, elle continue en soulignant la relation trouble qu’elle a eue avec un client qui “veut être félicité et le résultat n’est plus réel”.

Moment décisif Il est considéré comme l’un des livres les plus importants sur la photographie du XXe siècle, et son texte élégant, illustré par son travail historique, abonde en leçons. Mais l’abus et l’incompréhension continus de leurs leçons devraient être reconsidérés par les professeurs de photographie.


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A propos de l’auteur: Michael Rubin, ancien de Lucasfilm, Netflix et Adobe, est le photographe et l’animateur du podcast “Everyday Photography, Every Day”. Les opinions exprimées dans cet article appartiennent uniquement à l’auteur. Pour voir plus de Rubin, visitez Neomodern ou suivez-le sur Instagram. Cet article a également été publié ici.

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