The 75, 85, 100 Rule of Shooting: How to Be a Happier Photographer

Nous avons tous entendu le dicton “les vrais photographes capturent tout devant l’appareil photo”. Qu’il s’agisse d’une discussion idiote sur la prise de vue JPEG par rapport à RAW ou d’une conférence sur les pièges de l’utilisation de tout sauf du mode manuel, l’appareil photo peut exercer beaucoup de pression pour obtenir les images parfaites. Il peut également y avoir une disposition complaisante à « réparer le problème par la poste ». Les deux extrêmes ont leurs inconvénients, et j’ai trouvé qu’une approche équilibrée est essentielle pour la croissance personnelle et le bonheur.

Je suis juste assez vieux pour survivre à la révolution numérique, et il y a certainement des choses dont je me souviens avec émotion de l’ère du cinéma. Avant d’être stigmatisé en tant que néo-luddite, je voudrais préciser que je n’ai jamais envisagé de retourner au cinéma pour un travail commercial – le facteur coût et commodité rend cela inutile. Mais j’aime vraiment faire des films !

À bien des égards, le tournage était un flux de travail beaucoup plus rationalisé. En supposant que votre film a été développé dans un laboratoire de qualité, la plupart des finitions qui incombent désormais au photographe ont été effectuées par l’un des opérateurs du mini-laboratoire perché derrière un Noritsu ou un Frontier. Même si vous scanniez et éditiez les images dans Photoshop comme je l’ai fait, je savais quelle pellicule j’aimais – elle avait un aspect naturel proche de ce que je voulais.

Ce n’est plus vraiment le cas. Il y a eu des améliorations absolument incroyables dans la qualité des images produites par les appareils photo numériques modernes par rapport à mon premier D70, mais je n’ai pas encore trouvé la combinaison magique qui imite la simplicité du flux de travail du film.

Au début de ma transition numérique, j’avais l’impression de recommencer la photographie. Les concepts de base étaient toujours valables, mais je me suis retrouvé très frustré de ne pas pouvoir obtenir le même “look”. Et à partir de cette frustration, j’ai développé une approche pour aider à clôturer la transition.

La frustration peut tuer la créativité. Mon problème n’était pas que j’avais en quelque sorte oublié les bases de la photographie, j’avais besoin de mieux comprendre les changements technologiques actuels. J’avais besoin d’un système qui me permettrait de tout gâcher et de comprendre – de grandir. Non seulement cette approche m’a aidé, mais depuis plus d’une décennie, j’utilise la même approche avec mes élèves pour les aider à guider leur développement.

Comme mes étudiants, j’ai découvert qu’au fur et à mesure que je grandissais en tant que photographe, je suis beaucoup plus heureux de mon parcours qui favorise la croissance. C’était cyclique.

Espérons que cela puisse aider à réduire une partie de la pression et de l’estampage pour permettre au photographe de se concentrer sur la création d’un travail important et non sur la question de savoir s’il “le fait bien”. J’ai appelé cette approche la règle de 75, 85, 100, mais “ligne directrice” est probablement un terme plus approprié. Vos chiffres peuvent sembler légèrement différents selon la distance parcourue dans votre voyage, mais d’après mon expérience, ils constituent un bon point de départ.

Prenez votre photo sur un appareil photo précis à 75 %

télémètre et WPPI En mai 2021, il a publié un rapport décrivant plusieurs mesures clés pour le marché du mariage professionnel. Bien que je reconnaisse que tous les lecteurs ne sont pas des photographes professionnels, ne sont pas des photographes de mariage professionnels ou ne veulent pas être photographes professionnels, il y avait une statistique importante qui, je crois, s’applique à notre forme d’art : nous passons trop de temps en tant que photographes. derrière l’ordinateur. En fait, ce rapport a révélé que 58 % des personnes interrogées passent plus de temps derrière un ordinateur que derrière l’appareil photo, et seulement 19 % passent plus de temps à prendre des photos.

Honnêtement, je vois l’ordinateur comme un tas de condensateurs, de circuits intégrés et de magie noire. Je n’aime vraiment pas l’édition, mais la vérité est que je me méfie de le sortir de l’agriculture et j’espère que l’éditeur comprend votre vision, cela fait partie de notre flux de travail.

La bonne nouvelle est que nous avons notre mot à dire dans cette affaire ! Nous choisissons la quantité de modifications à effectuer. J’enseigne à mes étudiants que chaque minute économisée derrière l’ordinateur est libérée pour travailler avec un nouveau client ou s’asseoir sous un arbre – les deux sont parfaitement valables. Je leur conseille de se concentrer sur quelques éléments simples pour obtenir l’image sur le bon appareil photo 75 % du temps.

1. La portée est primordiale

Si vous pensez que vous avez assez tiré, tirez plus. Explorez tous les angles du sujet – changez la perspective de la caméra. Essayez une distance focale et une profondeur de champ différentes, vérifiez les bords de cadre sales et assurez-vous que votre exposition, votre balance des blancs et votre mise au point critique sont aussi proches que possible. Je sais que nous avons tous regardé les images de groupe d’un tournage et pensé : “J’aurais aimé avoir…”. Le meilleur conseil que je puisse vous donner est de vous assurer que vous tirez suffisamment d’abord.

Je ne veux pas que quiconque entende parler de l’approche de pulvérisation et de prière préconisée ici, vous travaillez avec la caméra, pas avec la mitrailleuse, mais les 10 images supplémentaires réfléchies peuvent faire gagner beaucoup de temps à l’édition. Ralentissez, évaluez le sujet et votre prise de vue ; Recherchez les images que vous avez manquées.

2. Apprenez à aimer un contrôleur de couleur

Oui, il s’agit d’une étape supplémentaire pour créer et appliquer des profils de couleur. Mais! Les quinze secondes supplémentaires pour prendre une photo d’un nuancier peuvent être d’une grande aide lorsque vous commencez à éditer. Il n’est pas nécessaire qu’elle provienne de Calibrite, mais investissez dans une bonne table IT8, cela vaut votre temps et votre argent.

Investir dans et utiliser une bonne table IT8 est très gratifiant pour votre temps et votre argent.

3. Soyez d’accord avec “Fermer”

L’objectif est toujours la croissance et l’amélioration personnelle. Je veux que mes images soient aussi prêtes que possible pour le client, surtout quand je suis le client. Cependant, je crois fermement qu’il y a un lien entre la qualité du travail produit et la joie de produire le travail. Lorsque nous sommes tellement concentrés sur la perfection de tout, cela peut conduire au doute de soi et à la procrastination, ce qui entrave souvent notre capacité à être créatif.

Je n’encourage pas la mentalité “meh, je vais le réparer par la poste”, rapprochez-vous le plus possible de votre vision. Si le plus proche que vous pouvez obtenir de votre vision en ce moment est de 75 %, autorisez-vous à en être satisfait.

Sélectionnez les images finales et terminées à 85 %

Cela peut toujours être un peu écrasant lorsque je regarde pour la première fois un ensemble d’images qui doivent être éditées, donc à ce stade, mon espoir est de me concentrer sur les os de l’image, pas sur le produit final projeté. Sélectionner et compléter 85 % des images finales est l’objectif ultime à ce stade. Dans n’importe quel gestionnaire de ressources numériques que vous aimez ; Lightroom, Bridge, Darktable, ACDSee, Capture One, peu importe – abordez ces fichiers de la manière la plus indépendante possible.

La séparation est difficile. Cela peut être le plus grand défi pour les artistes. Nous y sommes allés, nous savons ce que nous voyons, nous voulons aimer ce que nous avons pris et le partager avec les autres – nous voulons qu’ils ressentent ce que nous ressentons. Ces moments émouvants sont ce qui m’a poussé à prendre la caméra. Le problème se pose lorsque nous perdons l’objectivité. Nous devons évaluer les images telles qu’elles sont, et non par ce que nous ressentons à ce moment-là.

1. Numérisation d’images efficaces

Mon approche consiste à afficher les images dans une vue en grille avec la taille des vignettes définie sur la moitié dans Lightroom. Selon votre prescription et la taille de votre moniteur, cela peut être différent pour vous – trouvez une taille qui vous permet d’avoir une idée de chaque image sans vous laisser distraire par les détails.

Mon approche est assez simple, si je n’aime pas la vignette, je n’aimerai probablement pas non plus l’image en taille réelle. Recherchez des images qui ont un impact, qui rebondissent sur vous. Vous n’aimerez pas toutes les images que vous prenez et ce n’est pas grave. Quelle que soit la manière dont cela fonctionne, cochez les images qui attirent votre attention. J’utilise des étoiles de notation où une étoile indique une image qui mérite d’être examinée plus en détail. Travaillez vite, si vous avez plusieurs images de la même composition, marquez-les toutes.

2. Rechercher des opportunités d’édition en masse

Après avoir fait mes sélections approximatives, je commence à chercher des opportunités d’édition en masse. Il y a peut-être 10 prises de vue consécutives légèrement sous-exposées ou la balance des blancs est en panne. C’est l’étape où le vérificateur de couleur est utile. Que vous appliquiez un profil de caméra ou que vous obteniez la bonne température de couleur, cet outil peut résoudre rapidement les problèmes de base. Si vous travaillez avec des préréglages, c’est le bon moment pour les appliquer. Quoi que vous fassiez, rappelez-vous, nous ne recherchons pas la perfection, nous cueillons juste des fruits bas.

3. Faites les choix finaux

À ce stade, j’ai généralement une bonne idée des images avec lesquelles je veux aller et je les note avec un 3 ou 4. Je peux aussi revenir en arrière et regarder les images environnantes qui n’étaient pas au premier tour pour m’assurer que je n’ai rien manqué. N’oubliez pas que nous ne procédons toujours pas aux ajustements finaux, nous recherchons simplement un taux d’achèvement d’environ 85 %.

Réfléchir et apporter des modifications finales jusqu’à 100 %

1. réfléchir

Pourquoi s’arrêter à 85% ? Une fois que j’ai choisi des images, j’aime prendre le temps de réfléchir à ce que je photographie, être honnête avec moi-même et noter les domaines sur lesquels je dois travailler pour m’améliorer. Il est également important de noter les choses qui ont bien fonctionné et qui pourraient valoir la peine d’être refaites. Une chose que je noterai toujours, c’est que la meilleure façon de grandir est de constamment réévaluer.

2. Révisions finales

Quel que soit le logiciel avec lequel vous vous sentez le plus à l’aise, il est maintenant temps de faire vos derniers ajustements. Je crois fermement au rôle que joue l’environnement dans la productivité. Pour moi, je travaille généralement à la maison, avec beaucoup de café, en écoutant de la musique de brain.fm. La « musique » peut sembler un peu bizarre au début, mais au cours des dernières années, je l’ai trouvé vraiment utile, si vous ne l’avez pas essayé, essayez-le !

Une partie de mon travail peut être juste pour moi, d’autres pour des clients. Quoi qu’il en soit, gardez à l’esprit le produit final et essayez de travailler avec un dernier geste. J’ai constaté que mes modifications sont plus cohérentes et que je peux modifier beaucoup plus efficacement de cette façon.

3. Réfléchissez… Encore

Lorsque vous avez terminé, asseyez-vous, respirez profondément et réfléchissez aux leçons que vous pouvez en tirer. Félicitez-le le cas échéant, mais n’ayez pas peur d’être honnête avec vous-même. Recherchez les bons et les mauvais schémas et essayez de grandir.

Par conséquent

Que faire si vous ne parvenez pas à obtenir vos images à 100 % ? C’est bon! Mais que se passe-t-il s’il vous faut cinq heures pour obtenir une image proche de 100 % ? Ça va aussi! Chaque photographe a de la place pour grandir, élargir sa compréhension et se diversifier de manière créative.

Si vous avez besoin de faire un peu plus de retouches que les autres photographes à ce stade, très bien ! Soyez gentil avec vous-même et ne laissez pas les attentes des autres décider de votre façon de travailler. J’aime que les deuxième et troisième étapes soient courtes, j’aime plus filmer que monter. Peut-être que vous êtes à l’autre bout du spectre, c’est bien aussi. Nous devrions laisser à chaque artiste l’espace nécessaire pour prendre des photos d’une manière qui lui convient. Se concentrer sur le plaisir de la photographie, pas sur le dogme de certains photographes.

Vous ne pouvez pas utiliser les mêmes poids, le même nombre de pas ou ni l’un ni l’autre. Ce que j’espère que vous en retirerez, c’est que vous devez développer un système qui fonctionne là où vous êtes et vous encourage à arriver là où vous voulez être.


Crédit image : Photo stock Depositphotos®

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