Shunning Popular Opinions to Elevate your Photographs

Certaines croyances prévalent en photographie, ce qui conduit à une similitude monotone des images. Se libérer des contraintes imposées par la pression des pairs peut révolutionner vos images. Mais ne vous attendez pas à ce que ceux qui sont perdus dans le brouillard de la médiocrité et ceux qui ont une imagination limitée l’apprécient.

En photographie, on s’attend à ce que certains types d’images apparaissent d’une certaine manière. Le sujet peut varier, mais il existe des approches limitées pour les attirer que l’organisation trouve acceptables.

Par exemple, les photographes essaient souvent de dominer le sujet dans le cadre. L’approche typique est que le sujet est plus spécifique qu’autre chose. Ensuite, nous l’éclairons pour le rendre visible et utilisons la profondeur de champ et d’autres techniques de séparation pour faire ressortir ce sujet en arrière-plan.

Mais que se passe-t-il si nous choisissons une approche différente pour cela. Plutôt que de dominer le sujet principal, réduisez-le jusqu’à ce qu’il soit à peine perceptible et visible uniquement si l’image est suffisamment étudiée.

Par exemple, prenez la photo ci-dessous. Cliquez dessus pour l’adapter à votre écran.

Comment votre œil a-t-il traversé le cadre ? Pour la plupart des gens, cela commence au phare de l’île. Il se déplace ensuite vers la lune en haut du cadre. Puis l’œil s’attarde un instant dans la lumière d’avant l’aube qui éclaire les nuages. Enfin, le spectateur remarque une distraction sur les rochers en contrebas. Ce n’est qu’alors qu’ils réalisent qu’il s’agit d’un oiseau, d’une bécassine.

Avant de dire que vous avez vu l’oiseau en premier, c’est bien. Les yeux de tout le monde ne suivront pas l’image de la même manière.

Cela ne fonctionne pas avec la façon ridiculement rapide dont les gens font défiler un petit écran et cliquent sur “J’aime” lorsqu’ils examinent des photos sur Instagram. L’oiseau ne sera même pas remarqué. Cependant, l’application d’un délai est parfaitement acceptable si elle est affichée dans une galerie de qualité où les téléspectateurs s’arrêtent et visionnent les images.

Nous dessinons généralement les yeux du spectateur autour de la photo en utilisant des contours. Cette photo de la boucle fonctionne différemment. Il utilise des distractions qui déplacent l’œil d’un endroit à l’autre : phare, lune, nuages ​​brûlants et oiseau.

Les membres du jury présentés dans les concours de photographie peuvent ne pas apprécier ces images telles qu’elles sont. Ils peuvent voir l’oiseau comme quelque chose de plus qu’une distraction indésirable dans une photo de paysage, plutôt que la façon dont le photographe voulait que la photo soit vue. Est-ce la faute du photographe ou du juge ? Je dirais que ce dernier a une limite.

Il y a une ligne d’entrée dans la photo ci-dessous. Une série d’empreintes de pas dirige le regard vers le sujet principal : la femme au tablier rose. Il marche sur une large plage déserte. En pensant à l’image, une histoire peut être déduite d’une photographie. D’abord, le chemin qu’il emprunte serpente et contourne le massif d’algues sans marcher dessus. Cela indique une démarche insouciante, pas une démarche déterminée. Ensuite, son chemin est sur le point de croiser ce qui ressemble à une autre série d’empreintes. Cette plage n’est-elle pas aussi déserte qu’on le pensait ?

Mais un examen plus approfondi révèle que nous avons été induits en erreur. Ce ne sont pas des empreintes de pas, mais une traînée d’algues laissée par la marée descendante.

Encore une fois, les juges peuvent marquer l’image comme une distraction indésirable à cause de cette traînée d’algues. En conséquence, le photographe peut le supprimer ainsi que le groupe de premier plan du milieu lors de l’édition. Cela simplifie la photographie, quelque chose que j’aime habituellement, mais cette histoire secondaire et trompeuse est perdue. Cela rend également la composition déséquilibrée.

Il y a donc un dilemme : succombons-nous à l’idée que les images doivent être faciles à comprendre, ou sacrifions-nous la simplicité ou même la beauté pour créer quelque chose qui nécessite plus de réflexion pour bien faire les choses ? Autrement dit, faut-il faire travailler le spectateur pour comprendre l’image ? On discute souvent de la relation entre le sujet et le photographe, surtout un sujet humain. Cependant, cette relation entre photographe et spectateur est plus complexe.

Surtout lors de tournages commerciaux, nous avons probablement le public à l’esprit. La peinture ne doit pas seulement plaire au client, mais aussi à ses clients. Par exemple, si vous photographiez des images de catalogue pour une entreprise de vêtements, le client veut des photos qui vendront ses produits. Sauf demande spécifique, le photographe n’ouvrira pas sa boîte à outils créative et n’appliquera pas des techniques artistiques inhabituelles et passionnantes.

Cette restriction est un compromis où de nombreux photographes photographient des produits, des portraits ou des animaux domestiques. Pardonnez les allitérations continues, mais même les médias sociaux, les photographes de sport et de rue prennent des images qui correspondent aux attentes du public.

Et si vous photographiez uniquement pour le plaisir de l’art ? Cette relation devient plus tendue. Premièrement, les artistes s’expriment dans leurs photographies et, ce faisant, ils ne doivent pas donner un sou à ce que les autres pensent. Mais s’ils ne répondent pas aux attentes de l’organisation, ils sont moins susceptibles d’être remarqués, et encore moins célébrés. L’exception est, bien sûr, le monde académique de l’art, où la créativité progressive et l’évitement des normes sont – à juste titre – plébiscités.

Si tel est le cas, si la véritable créativité est confinée au milieu universitaire, alors beaucoup d’entre nous sont enchaînés par les contraintes que la pression des pairs nous impose. Nous nous limitons en essayant de réaliser ce que d’autres ont fait avant nous, nous sommes retenus par de soi-disant faits qui ne sont rien d’autre que des opinions populaires subjectives.

Prenons l’argument des capteurs 35 mm comme exemple. Ils donnent un aspect différent à une image que les départements marketing des grandes sociétés de caméras considèrent comme la référence. Grâce à cette édition, la vue plein format est devenue l’attente de nombreux photographes commerciaux, sinon de tous. Cette attente s’est propagée au monde non commercial et à la photographie créative. Dans l’ensemble, il n’y a pas un peu de snobisme à propos des appareils photo plein format qui se traduit par une attitude d’isolement qui limite la diversité et la créativité.

Ne vous méprenez pas; Pas de problème avec le capteur 35 mm. Mais les créateurs doivent admettre qu’il n’y a rien de supérieur ou d’inférieur à propos de ce format de capteur ou de tout autre format. Ils sont juste différents. Chacun a ses propres avantages, tout comme chacun fait des compromis. Si un appareil photo plein format vous donne un look que vous aimez, c’est bien ; Je ne conteste pas cela. Mais si nous tournons pour créer de l’art, nous devrions peut-être nous demander pourquoi j’aime ça. S’agit-il simplement de respecter le contrat – le voulons-nous parce que c’est ce que nous sommes censés aimer ? Si tel est le cas, nous devons le contester.

Il en va de même pour les marques d’appareils photo, la profondeur de champ, la netteté de l’objectif, l’évolution des techniques, la distance focale, les attentes en matière de composition et d’exposition, les conversions en noir et blanc, etc. peut aussi être dit pour Les utilisons-nous uniquement pour les attentes subjectives des autres ?

Il faut du courage pour éviter les modes populaires. Beaucoup pensent que l’approche populaire est la meilleure, et de solides marques d’appareils photo les soutiennent car cela aide leurs chiffres de vente. De plus, lorsque vous vous débarrasserez des normes, il y aura ceux qui ne les comprendront pas et vous reprocheront d’être trop attaché à l’opinion populaire. Mais ce problème ne vient pas de vos photos, mais de leur compréhension.

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