eye | BLOG: Creativity and Turmoil, part 1

Je n’aurais jamais pu prédire la trajectoire des gros titres qui émergent rapidement au début de 2020. Le monde a traversé beaucoup de choses depuis lors, entraînant des changements forcés qui ont amené nombre d’entre nous à se réévaluer. [everything]. J’ai fait quelques changements, mais mon amour et mon engagement envers l’art se sont renforcés. Alors que l’art est considéré comme un luxe (vous ne pouvez pas le manger ou le mettre dans le réservoir d’essence), j’en suis venu à la conclusion qu’il aide beaucoup d’entre nous à rester sains d’esprit dans les périodes sombres. Je crois que faire de l’art et être entrelacé avec l’art guérit. L’art nous permet de communiquer et de partager des expériences qui peuvent être difficiles à mettre en mots.

Au moment où j’écris ceci en juillet 2022, je me sens en sécurité pour dire que nous ne reviendrons pas à la vie telle que nous la connaissons en 2019; Cependant, beaucoup d’entre nous ont trouvé des moyens de s’adapter – et si nous avons de la chance, nous avons appris à identifier et à nous pencher sur ce qui nous motive. Une inspiration majeure pour moi a été de trouver de nouvelles façons de partager les artistes et leur travail, ce qui a abouti à une série “d’expositions en ligne” et une série de vidéos “photo-eye Talks”.

En raison de la communication numérique constante dans un monde autrement “fermé”, les problèmes de l’influence du temps sur la création artistique ont fait surface de manière organique et souvent. J’ai été fasciné par la variété des expériences et des perspectives et j’ai découvert que de nombreux artistes recherchent au moins une doublure argentée.

Récemment, avec une série de blogs à l’esprit, j’ai demandé à plusieurs artistes représentés devant la photographie leurs réflexions sur la déclaration suivante —

“Certaines personnes croient qu’un peu d’agitation peut être utilisée comme carburant dans le processus artistique.”

Aujourd’hui, je suis ravi de vous présenter le premier épisode de cette série en deux parties – restez à l’écoute pour l’épisode deux la semaine prochaine !

— Anne Kelly, directrice de la galerie Photo-eye

Mitch Dobrown

Le monde est un endroit fou en ce moment et cela semble causer beaucoup de bouleversements dans la vie quotidienne des gens. Mais la vérité est que nous vivons tous cela à un moment donné de notre vie, nous le gérons tous différemment. Mon expérience personnelle est que traverser une sorte de tourmente est une source de distraction créative – mais seulement sur le moment.

Comment puis-je être créatif quand je ne pense qu’à ce que je lis sur les réseaux sociaux, à ce que je vois aux actualités, ou à m’inquiéter de prendre soin de ma famille, payer les factures, COVID, les enfants, entretenir la plomberie à la maison ? etc. Ces pensées me transportent du cerveau droit (IE : créatif, imagination, rêverie) vers le cerveau gauche (IE : aspect logique, mathématique, résolution de problèmes). Alors j’essaie juste de voir la positivité à l’intérieur; cette confusion peut provoquer une réinitialisation de ma réflexion/concentration.

Comme il fait référence à mon art et à ma créativité, il m’a toujours tenu informé des bonnes choses que ces «démons de l’agitation» m’ont distrait; plutôt que d’être asservi par eux, cela me permet de continuer à grandir et d’en savoir plus sur ce que je suis vraiment. J’ai lu une fois une citation qui disait : “Un artiste peut créer non pas à cause de ses névroses, mais malgré elles.” Je ne crée pour moi-même que dans la mesure où je vis à l’intérieur, centré et conscient de qui je suis. Donc je suppose – oui, les drames de la vie peuvent me remettre à zéro et donc me donner une chance de grandir, mais d’un autre côté, je connais de grands artistes, ce que j’appelle des “âmes torturées” qui sont les plus créatives quand les choses sont les plus difficiles pour eux. Les gens gèrent les troubles différemment – donc chacun le sien.

Photo-eye Talks dans le cadre de notre nouvelle série de vidéos, photo-eye Gallery Director Anne Kelly elle a demandé propriétaire de dobrown sur sa pratique et ses travaux les plus récents. Ironiquement, une tempête a éclaté dans la région de Santa Fe pendant que la réunion avait lieu – cela n’aurait pas pu être mieux planifié ! Consultez le billet de blog présentant cette conférence ICI ou regardez cette conversation stimulante vidéo.

Portrait de l’artiste Mitch Dobrown

Mitch Dobrown est né en 1956 à Bethpage, New York, Long Island. Inquiet de l’avenir de Mitch et de l’orientation de sa vie, son père décide de lui offrir un vieux télémètre Argus pour le distraire. Il ne réalisait pas à quel point ce geste était important pour Mitch. Après avoir fait quelques recherches et vu des photos de Minor White et d’Ansel Adams, elle est rapidement devenue accro à la photographie. Des années plus tard, début 2005, inspiré par sa femme, ses enfants et ses amis, il reprend son appareil photo. Travaillant avec le chasseur de tempêtes professionnel Roger Hill, Dobrowner a parcouru les Amériques pour capturer la nature dans toute sa rage et a réalisé des images spectaculaires de moussons, de tornades et d’orages majeurs avec le plus haut niveau de savoir-faire. La série de tempêtes de Dobrown a attiré l’attention des médias ( National Geographic , Time , New York Times Magazine et autres). Il vit avec sa famille à Studio City, en Californie.

Marc Klett

Je pense que l’agitation peut être un carburant important pour le processus artistique, mais je pense aussi que le processus artistique s’inspire de nombreuses sources et change au fil du temps pour chacun de nous. Personnellement, je ne chercherais pas l’agitation comme source permanente d’inspiration. C’est peut-être mon instinct de conservation, mais j’ai toujours pensé qu’être artiste était un jeu à long terme.

Mark Klett est un photographe intéressé à créer de nouvelles œuvres qui répondent aux images historiques. créer des projets qui explorent les relations entre le temps, le changement et la perception ; et explorer le langage des médias photographiques à travers la technologie. Il a travaillé comme géologue avant de se tourner vers la photographie. Klett a reçu des bourses de la Fondation Guggenheim, du National Endowment for the Arts, de la Pollock-Krasner Foundation et de la Japan/US Friendship Commission. Le travail de Klett a été exposé et publié aux États-Unis et dans le monde depuis plus de trente-cinq ans, et son travail se trouve dans plus de quatre-vingts collections de musées à travers le monde. Il est l’auteur/co-auteur d’une quinzaine de livres. Klett vit à Tempe, en Arizona, et a récemment pris sa retraite du poste de professeur d’art des régents à l’Arizona State University.

Edouard Bateman

Au cours de ses premiers mois, la pandémie semblait avoir trouvé un moyen de cibler chacune de nos vulnérabilités, y compris la mienne. Depuis près de 20 ans, je réfléchis aux paroles de mon héros littéraire, John Barth :

“Les gens peuvent faire de l’art des choses qu’ils n’arrivent pas à comprendre.”

Je pense que pour la plupart d’entre nous, notre création artistique est la façon dont nous comprenons et traitons nos expériences. Mais nos réponses ne doivent pas toujours être évidentes – et c’est probablement mieux quand elles ne le sont pas. Il y a toujours un risque de pitié et de mélodrame quand on est au milieu de tout. Parfois, le simple fait de faire de l’art peut servir à nous montrer que nous pouvons encore agir – nous pouvons encore faire une petite différence dans un monde qui semble déterminé à nous fermer.

Les vues de ma table de cuisine (Yosemite: Seeking Sublime) reflétaient l’isolement à la maison de Covid, mais ce n’est pas ce qu’elles étaient vraiment. Mon projet Leaf (photosynthèse inversée) reflétait la fin de la vie imminente de ma mère – et c’était la dernière émission qu’elle a regardée, mais je n’en avais pas conscience quand j’ai commencé. Avec le recul, presque chacun de mes projets avait un lien avec quelque chose de plus grand que moi que je ne pouvais pas comprendre à l’époque.

Au début de la pandémie, j’ai regardé en direct Sophie Calle Zoom parler aux étudiants. Je crois qu’il voulait que ceux-ci soient complètement dans l’instant – parce qu’il voulait qu’ils ne soient pas sauvés. On lui a demandé : “Quel conseil donneriez-vous aux étudiants en cette période de danger ?” Il y avait quelque chose de très basique dans sa réponse – ou du moins comment je m’en souvenais. “Chaque instant est un moment de danger. Nous ne savons jamais quand une tragédie nous frappera personnellement.” Il est maintenant temps de toujours pratiquer les choses qui favorisent notre bien-être.

L’art est ma façon de transcender les choses et j’ai appris à lui faire confiance. Je fais de l’art quand j’ai une dure journée – c’est mon refuge. Dans un bon jour, je fais de l’art pour célébrer. Et les autres jours ? Je fais de l’art pour voir ce qui se passe ensuite. Les idées viennent des idées – et de la pratique. D’après mon expérience, les muses ne crachent pas tant qu’elles ne savent pas que vous êtes sérieux.

Anne Kelly rejoint Edward Bateman dans une vue en ligne de son incroyable exposition Yosemite : Quête du Suprême Photo-eye Chats dans notre série de vidéos. Ils ont discuté, entre autres, du processus d’Edward pour recréer Yosemite – à un moment de la conversation, l’artiste s’est retrouvé dans un épais nuage de brouillard ! Consultez le blog précédent ICI ou regardez cette grande conversation sur Vimeo.

Portrait de l’artiste Edward Bateman

Edward Bateman est un artiste et professeur à l’Université de l’Utah. Sa pratique repousse les limites de la photographie en utilisant des procédés et des technologies extraordinaires comme la modélisation numérique 3D. Il abrite des artefacts dits historiques qui, à travers des images construites et souvent anachroniques, examinent notre foi en la photographie en tant que témoin fiable.

En 2009, Nazraeli Press a publié un livre signé et numéroté de son travail, Mechanical Brides of the Uncanny, qui explore les automates du XIXe siècle comme une métaphore de la caméra, en disant : « Pour la première fois dans l’existence humaine, des objets que nous créons nous-mêmes. ils nous regardaient.

Bateman et son travail sont présentés dans la troisième édition de Catching the Light: A Social and Aesthetic History of Photography de Robert Hirsch. Son travail a été montré internationalement dans plus de vingt-huit pays et fait partie des collections du Victoria and Albert Museum, du Houston Museum of Fine Arts et du Getty Research, entre autres.

Les frais d’impression sont valables jusqu’au moment de la publication et sont sujets à changement.

Fou pour acheter plus d’informations et d’impressions Mitch Dobrown Mark Klett ou Edward Bateman

veuillez contacter la directrice de la galerie Anne Kelly ou la directrice de la galerie Jovi Esquivel.

ou vous pouvez également nous appeler au 505-988-5152 x202.

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