Dance Photography: A Complete Guide

Photographier des danseurs peut être l’un des sujets photographiques les plus intimidants, mais il peut aussi être l’un des plus gratifiants en termes d’images finales capturées. La danse peut être un sujet impardonnable, et les images gagnantes seront difficiles à trouver à moins de creuser plus profondément et d’essayer de comprendre le mouvement, la chorégraphie, la pièce et comment capturer la lumière qui frappe les danseurs.

Par photographie de danse, nous entendons généralement capturer un spectacle de danse en direct, qu’il s’agisse d’un spectacle en direct ou d’une répétition, et non des mouvements de danse écrits dans un environnement de studio contrôlé qui permet de contrôler la lumière, la position et le choix des vêtements pour le danseur. Le style rendu célèbre par Lois Greenfield pourrait être appelé photographie de figures humaines ou photographie structurelle anatomique plutôt que photographie de danse. Par conséquent, nous limiterons la portée de ce guide à la définition de la photographie de danse comme ci-dessus.

Contenu

avant de commencer

Photographier la danse, comme toute autre forme de photographie, nécessite une préparation personnelle ainsi qu’une certaine planification, une liaison avec des troupes de danse et des auditoriums. Mais comment capturer les moments momentanés qui révèlent la grâce, l’anatomie, le mouvement et la force de la chorégraphie de danse tout en produisant des images photographiques stellaires ?

L’anticipation, les réflexes, l’écoute des rythmes, le ressenti de la musique et la compréhension de la danse sont tout aussi importants que la connaissance des bases de la chorégraphie et des arts de la scène. Bien que les styles de danse varient, la danse contemporaine est très différente du ballet ou du flamenco, le mouvement de danse est quelque chose que l’on apprend à anticiper et à préparer. Ressentir le rythme de la musique et son interaction avec la danse aide le photographe à entrer dans l’ambiance et le territoire de la prise de vue, et être conscient du vocabulaire des mouvements de danse vous aide à lire ce que pourrait être le prochain mouvement.

Avec l’expérience et la pratique, vous commencerez à apprendre quand faire sensation, quand prérégler une formation d’ensemble particulière et quand déclencher l’obturateur pour correspondre à la musique afin de ne pas déranger le public.

Répétition ou Live ?

Lors du tournage d’une danse, on prend généralement une répétition générale de la troupe de danse, avec laquelle la personne doit être dans sa meilleure relation, soit avec l’autorisation et l’accord préalable de la troupe de danse, soit en photographiant une personne qui doit être dans la meilleure relation d’y accéder sans restriction a la possibilité. certaines des itérations de la danse se présentent avec un public payant.

Communiquer et maintenir une relation à long terme avec les danseurs et les troupes de danse peut être notoirement difficile, mais pas impossible. Travailler gratuitement ou “booster votre portfolio” doit être évité, car cela nuit à l’industrie elle-même et aux autres photographes.

Le public paie des frais monétaires pour profiter d’un spectacle de danse, donc frapper le pilote du moteur de la caméra à vingt images par seconde ne sera pas le bienvenu ni par les organisateurs du spectacle, ni surtout par le public autour de vous, vu à quel point le son incessant de l’obturateur peut être ennuyeux. est est. Laisser le pilote du moteur de l’appareil photo décider du cadre à photographier est un mauvais exercice de composition photographique et de recherche de moments décisifs, car cela laisse le photographe avec peu ou pas de contrôle et n’est pas créatif, affirmé. le choix du moment où appuyer sur le déclencheur.

À cet égard, la technologie des appareils photo sans miroir a promis Valhalla – une prise de vue silencieuse à des vitesses de rafale très élevées grâce à l’utilisation d’obturateurs électroniques, mais il faut faire preuve de prudence car «l’obturateur coulissant» ruine de nombreux clichés en raison d’un mouvement trop rapide. courant dans la photographie de danse. Ainsi, bien que la technologie sans miroir promette une panacée, au final, elle ne résoudra peut-être pas tous les problèmes d’avoir un son d’obturateur fort contrairement à la technologie DSLR.

Les répétitions générales donnent généralement au photographe plus de marge de manœuvre en termes de positionnement et d’informations sur la façon de procéder avec la photographie, mais comme la plupart des répétitions générales ont tendance à être des affaires plus calmes, il est préférable de contacter la compagnie de danse car les danseurs ne le sont probablement pas. Entièrement habillé et déguisé.

De plus, tout comme être humain, les danseurs peuvent hésiter à aller dans toute l’étendue physique de la chorégraphie de danse prévue pour conserver l’énergie pour la performance complète elle-même et réduire le risque de blessure avant la représentation principale, de sorte que les mouvements de danse qui en résultent peuvent ne pas se présenter. toute l’émotion, la force ou l’athlétisme du danseur ou de la chorégraphie présentée. .

D’autre part, les répétitions offrent également une opportunité d’apprentissage et de planification pour se familiariser avec le spectacle de danse possible, et les répétitions peuvent être utilisées pour commencer à visualiser à l’avance les images nécessaires à prendre pendant le spectacle principal lui-même. estimer où la lumière sera positionnée, sa qualité, ainsi que le volume de la musique et si elle permettra de filmer à des moments clés.

Équipement

La danse de tir est similaire à la photographie sportive, en ce sens qu’être au bon endroit au bon moment avec le bon équipement augmente vos chances d’obtenir les photos que vous avez planifiées et souhaitées. Les bons photographes de sport savent où se tenir et où pointer leurs objectifs, exactement où l’action entre en jeu, et il en va de même pour les photographes de danse.

Se tenir directement devant la scène provoque des compositions différentes que d’être à 45 degrés de chaque côté, et être au niveau de la scène par rapport à être au niveau des yeux provoque des arrière-plans différents derrière les danseurs; cela peut être idéal pour éviter ou cacher tout élément indésirable. Nous ne voulons pas l’inclure dans la composition.

Les objectifs à ouverture rapide de f/2,8 et plus sont une condition préalable à la photographie de danse, car la plupart des spectacles de danse ont un éclairage ponctuel avec un rétroéclairage très faible ou presque complètement sombre. Il est donc crucial de capter autant de lumière que physiquement possible sur le capteur via une grande ouverture, avec la mise en garde que cela se traduira par un plan focal très fin.

La faible profondeur de champ signifie que le photographe a besoin de meilleurs réflexes, d’une préparation, d’une prise de conscience et de meilleures capacités de mise au point automatique sur le boîtier de l’appareil photo pour s’assurer que les danseurs ou les éléments encadrés sont nets, d’autant plus qu’ils sont si rapides. objets en mouvement pendant le spectacle de danse lui-même.

Le type d’éclairage utilisé dans la plupart des spectacles de danse est extrêmement déroutant, même pour les posemètres les plus exigeants et les plus avancés, avec une lumière et des points très contrastés et une balance des couleurs variable. En fonction de la composition et de l’effet souhaité (mouvement flou ou mouvement figé et/ou mouvement délibéré de la caméra), nous recommandons toujours d’utiliser le mode manuel et la mesure des hautes lumières pour éviter les rafales lors de la vitesse d’obturation, et l’ISO crée le reste du triangle d’exposition.

Les capteurs modernes font des pas de géant en termes de performances en basse lumière, fournissant des images utilisables même dans la quasi-obscurité, loin de l’époque du film analogique. Tout capteur d’appareil photo avec de bonnes performances en basse lumière et un contrôle du bruit à des ISO plus élevés jusqu’à 12 800 rend un appareil photo extrêmement utile pour la photographie de danse, c’est pourquoi la plupart des marques d’appareils photo ont des boîtiers adaptés à ce type de photographie.

Veuillez noter que l’utilisation du flash pendant les performances de danse est strictement interdite et est interdite dans la plupart des performances, la raison du flash affecte directement la performance du danseur et peut les confondre ainsi que causer des inconvénients au public. Bien que l’utilisation d’un trépied soit autorisée, nous vous recommandons d’utiliser un monopode pour plus de stabilité ou de prendre des photos à main levée uniquement, car il offre une plus grande polyvalence, une liberté de reconfiguration et la possibilité de se déplacer autour d’une variété de prises de vue, en fonction de la zone et de l’emplacement du photographe. Danse. postes.

Réglages

La plupart des spectacles de danse se déroulent dans l’obscurité, où même les caméras avancées d’aujourd’hui ont du mal à faire la mise au point automatique ou à mesurer une exposition “correcte”. Andréa Mohin, New York Times.

Des ouvertures de f/2,8 ou plus sont nécessaires pour capturer autant de lumière que possible ; l’abaissement de l’ouverture à f/4 ou f/5,6 fournit un plan focal plus profond, mais peut entraîner une sensibilité ISO trop élevée pour produire une image utilisable avec un contrôle du bruit acceptable.

La danse est en fin de compte une expression de l’énergie cinétique, donc capturer le mouvement, le vol et la liberté dans un spectacle de danse est au cœur de la photographie de danse. Le photographe doit garder à l’esprit à quoi ressemblera l’image finale prévue.

Une vitesse d’obturation entre 1/250 s et 1/320 s fige généralement la plupart des mouvements de danse avec le moindre soupçon de flou de mouvement ; Plus lent que 1/125 s à 1/250 s et le flou de mouvement devient apparent et si vous voulez opter pour des vitesses d’obturation délibérément lentes, des expositions longues ou un mouvement délibéré de la caméra, les vitesses d’obturation ciblées seront dans la région de 1/10 s. 1/2sec, ou même plus lent selon la disponibilité de la stabilisation de l’appareil photo (stabilisation intégrée à l’appareil photo pour ceux qui n’ont pas de monopode, de trépied ou de cœur !).

Pour figer complètement le mouvement, une vitesse d’obturation de 1/400 s et plus est généralement requise, ce qui permet l’ISO et l’ouverture, en particulier si d’autres accessoires tels que de l’eau volante ou de la poussière sont utilisés pendant une danse.

Retoucher

La décision de finition couleur ou noir et blanc est une décision innée très personnelle pour chaque photographe et dépend de sa vision, de ses idées, de son bagage créatif et du sujet à portée de main. Certains clichés seront plus adaptés à la couleur qu’au noir et blanc, et inversement. La sursaturation et l’augmentation du contraste conduisent souvent à des résultats flashy et doivent être soigneusement évités.

La solution

La photographie de danse est un genre très utile en photographie et n’a pas besoin d’avoir l’air intimidant ou hors de portée. Cela demande du travail acharné, du dévouement et une intensité passionnée, mais le résultat est réalisable et gratifiant. Ne jamais cesser d’essayer.


A propos de l’auteur: Dr. Charles Paul Azzopardi est photographe d’art, conservateur, consultant en patrimoine culturel photographique et auteur. Les opinions exprimées dans cet article n’engagent que l’auteur. Vous pouvez trouver plus de travail de Charles sur son site Web et Instagram.

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