A Unique Element in Your Photography That Only You Can Bring

Lorsque nous créons une photo, il y a des choses que nous pouvons faire pour la rendre intéressante à partir de l’ordinaire. Voici quelques-uns des aspects les plus importants de la composition et un facteur inenseignable qu’il vous appartient d’explorer.

Cela confond beaucoup de gens. Ils ne savent pas ce que les photographes entendent par raconter une histoire. Chaque photographie a une histoire, mais une image plus convaincante raconte bien plus qu’un simple “ce X”: c’est un oiseau. Ajoutez-y un autre sens pour qu’il devienne “ceci fait X, Y”: c’est un oiseau qui s’envole.

“C’est un oiseau qui s’est envolé parce qu’un chat a sauté.”

“C’est un couple qui danse ensemble parce qu’ils sont amoureux.”

“C’est une île dans une mer calme.”

Vous pouvez développer ceci pour ajouter un sujet secondaire.

“Cet oiseau vole parce que le chat mal nourri saute.”

“Ce vieux couple danse ensemble parce qu’ils sont amoureux. Mais comparez-les aux plus jeunes en arrière-plan.”

“La douceur de la mer contraste avec la dureté de l’île, et ses formes naturelles contrastent avec les lignes droites artificielles du phare.”

Cette dernière série d’histoires concerne la création de relations, et ces relations sont opposées. Cela utilise le mot contraste dans un sens plus large que les différences de tons dont nous parlons habituellement en photographie.

Le contraire du contraste est l’uniformité. L’uniformité concerne des sujets ayant des caractéristiques similaires, tels que des soldats en uniforme, des demoiselles d’honneur lors d’un mariage et des oiseaux dans un troupeau. Cependant, cela peut être moins évident : couleurs adjacentes (celles adjacentes les unes aux autres sur la roue chromatique, par exemple, bleu et vert, jaune et orange, etc.), sens du mouvement, taille, forme et forme.

Bien sûr, il y a des moments où vous voulez que l’histoire ne dise rien de plus que “ce X”. Il y a quelques années, j’ai été chargé de photographier différents types de gravier pour une entreprise qui fournit des matériaux à l’industrie de la construction. Ils voulaient que des images uniformes et sans fioritures de leurs produits soient affichées sur leur site Web. J’ai donc pris des dizaines de photos qui n’étaient guère plus qu’une description précise du produit. Mais nous réalisons souvent plus que cela.

L’uniformité dans une image ou une collection d’images peut donner un sentiment de stabilité, de calme, de confort, d’harmonie et d’harmonie. D’autre part, les contrastes dans les images créent de la dissonance. Ils font ressortir l’excitation, le désaccord et les émotions négatives, rendant les photos plus stimulantes. Comme je l’ai montré dans un article précédent, les émotions négatives ont un effet plus fort sur une photo que les émotions positives.

Presque tous les adjectifs que nous pouvons trouver pour décrire un objet peuvent avoir un antonyme : grand/petit, large/étroit, haut/bas, naturel/artificiel, proche/loin, lisse/rugueux, vieux/jeune, mouvement/immobilité, etc. il y a aussi des opposants ; ce sont des couleurs complémentaires : rouge/vert, jaune/violet et bleu/orange.

Les photos fonctionnent souvent mieux lorsque l’uniformité et le contraste vont de pair. Il y a des exceptions, mais les images avec trop d’uniformité peuvent être fades – ce caillou que j’ai pris n’était certainement pas le sujet le plus excitant que j’ai jamais photographié – tandis que celles avec trop de contraste peuvent sembler trop occupées, confuses ou désorganisées.

Faire le meilleur usage des éléments opposés dans un cadre a beaucoup à voir avec leur positionnement les uns par rapport aux autres. C’est là qu’intervient la prise de conscience des différentes règles de composition. Beaucoup d’entre eux vont de la règle des tiers au nombre d’or, à la remise, à l’armature, etc., qui sont souvent mal compris et mal appliqués et parfois surutilisés. J’ai écrit un article sur ce sujet en mars, donc je ne vais pas tous les revoir ici.

Mettre les sujets dans le cadre fonctionne mieux lorsque nous les renforçons. Nous le faisons généralement en utilisant les lignes principales et d’entrée. Ces lignes s’étendent jusqu’au point ou aux points où nous voulons que les yeux de nos téléspectateurs se reposent. Les lignes ne doivent pas toutes provenir de la même direction. Considérez plusieurs lignes radiales sur une toile d’araignée, toutes menant au point focal au centre de la spirale. Ils n’ont pas non plus besoin d’être permanents; ils peuvent aussi être implicites. Le cerveau étend les lignes au-delà de leurs extrémités, de sorte que nos yeux suivent naturellement l’extension aussi loin qu’ils iront.

Le positionnement d’un sujet dans une scène est très lié au positionnement de l’appareil photo. Les photographes de paysage expérimentés s’arrêtent rarement là où ils les voient pour la première fois lorsqu’ils arrivent. Ils se promènent, surveillent la zone et déterminent la meilleure position et hauteur possibles pour placer la caméra. Se repositionner change la perspective et la perspective. S’il y a un style de photographie particulier qu’ils aiment adopter, cela peut dépendre de la façon dont ils positionnent leur appareil photo.

Plusieurs idiomes de tous les jours qui signifient la même chose viennent de différentes parties de l’Angleterre. L’une est la “brise oblique” du commerce de tissage dans le nord de l’Angleterre, non loin de l’endroit où je vis maintenant. Cela signifie que la trame est tordue, donc le tissu est irrégulier. L’autre est l’expression “hah” moins connue. C’est une ancienne langue anglaise et elle est encore utilisée dans les régions du pays où je suis né. En tant que photographe de paysages marins, il est très important d’avoir l’horizon droit et non pas au-dessus. S’il n’est incliné que d’un demi-degré d’un côté, l’effet est discordant. Cependant, il existe certaines situations où le photographe peut vouloir incliner l’appareil photo. Ce déséquilibre peut ajouter du suspense et du drame à une prise autrement inintéressante.

Toutes ces techniques et d’autres, telles que le contrôle de l’exposition, la profondeur de champ et l’arrêt ou l’affichage du mouvement, bien que valables, ne sont rien en soi. Lorsqu’ils sont combinés, ils sont plus que la somme de leurs parties. Pourtant, même dans ce cas, ils ajoutent moins d’un élément essentiel qui élèvera votre photo à un nouveau niveau. C’est mettre votre personnalité dans votre photographie. C’est quelque chose que vous seul pouvez faire. Rien écrit par moi ou quelqu’un d’autre ne peut vous apprendre ce que c’est.

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