5 Editing Mistakes I Made as a Beginner Photographer So You Don’t Have To

L’édition d’images n’est pas une tâche facile à entreprendre. L’utilisation d’un logiciel d’édition comme Lightroom ou Capture One nécessite un certain apprentissage et une certaine habitude. Cependant, même si vous savez utiliser un logiciel d’édition, vous devez toujours éditer les images d’une manière qui améliore leur beauté plutôt que de les détruire. Essentiellement, vous devez savoir le pourquoi derrière le comment. Voici quelques erreurs que j’ai commises lors de l’édition d’images car je ne sais pas pourquoi.

Ah, comme les curseurs sont attrayants, si séduisants que vous les tentez au maximum. Bien sûr, il y a une valeur éducative à faire cela, mais il y a peu de valeur créative réelle. Beaucoup de photographes ont tendance à aller un peu trop loin au début. Nous détruisons tout ce qui s’y trouve pour maximiser les images. Voici quelques conseils pour éviter les erreurs lors du montage et éventuellement devenir un meilleur photographe. A noter que toutes ces techniques peuvent être utilisées pour rehausser la photo.

Trop de contraste

Le contraste est le premier parce que presque toutes les images que j’ai éditées quand j’ai commencé sont très contrastées. Pourquoi? Pourquoi? Parce que le contraste semble ajouter une sensation dite “cinématographique” et change vraiment la sensation et l’apparence de l’image. Une façon de savoir si vous allez trop loin sur le contraste est de regarder les détails de l’ombre. En règle générale, vous devriez toujours avoir des détails dans les ombres. Ne les noircissez pas. Il ne sera pas joli et montrera un manque de plage dynamique. Avez-vous acheté cet appareil photo coûteux pour montrer qu’il ne pouvait vraiment pas capturer suffisamment de détails dans les ombres ? probablement pas. Notez que le contraste est un problème à la fois en photographie noir et blanc et en couleur.

Trop de saturation

La photographie couleur établit un équilibre délicat entre montrer des tons riches et le rendre trop vibrant. En effet, il est facile de se laisser emporter par le curseur de dynamisme car il a tendance à faire ressortir des couleurs que vous ne pouvez pas voir. Cela semble attrayant au premier abord, mais demandez-vous : le monde est-il vraiment si saturé ? La réponse est presque toujours non, alors baissez la saturation. Bien qu’il n’y ait aucun changement notable dès le premier instant, vous finirez par vous habituer à la légère désaturation (5-10%) des images. Une fois pressés, ils auront l’air plus naturels et plus professionnels.

Cela dépend bien sûr du type de votre entreprise. Si vous visez quelque chose comme Dave LaChapelle ou Willam Eggleston, activez-le, mais soyez conscient des autres éléments de l’image qui en font un succès. Ce n’est pas seulement la saturation, mais aussi l’ambiance de l’image, qui s’enrichit de saturation.

Couleur sélective

C’est un look que tout le monde a essayé au moins une fois dans sa vie. Il est devenu populaire vers 2015 et Internet a été inondé d’images “émotionnelles”. Bien que cool au début, la couleur pointilleuse est rapidement devenue ennuyeuse au point de devenir un mème.

(Il n’y aura pas de photo montrant la couleur sélective, je pense que vous en avez déjà assez vu.)

Cela ne signifie pas que vous ne devez pas désaturer des parties de l’image pour un effet artistique. La technique fonctionne très bien sur les images dramatiques et attire inconsciemment le spectateur dans la partie la plus saturée. Ce que je veux dire ici, c’est une désaturation locale, pas un pur contraste noir et blanc et couleur. La désaturation locale est une technique dans laquelle vous réduisez les tons de la photo de 10 à 20 %, et non de 100 %.

Fausse retouche

Les gens ont des pores, des cicatrices et des tissus. La séparation des fréquences est votre plus grand ennemi pour le moment. Cela peut sembler être une “solution” facile pour le visage de quelqu’un, mais cela gâche en fait la photo. La retouche exagérée n’est pas seulement un problème fictif, c’est aussi un problème culturel. Une photographie vise à montrer une personne sous son meilleur angle, mais ce que nous oublions, c’est le fait que les photographies représentent dans une certaine mesure la réalité.

En tant que personne qui travaille dur à la fois pour l’enseignement et le recrutement avec des retouches, je leur demande d’en faire un peu moins que ce à quoi on s’attend normalement. La tendance actuelle est aux tons naturels et à une post-production minimale sur le visage. Évidemment, si le reste de l’image est correct, la retouche sera minime.

esquisser

Bonjour, drama queen ou king. C’est du moins ainsi que je vois le curseur de vignette. Il ajoute cet ovale mystérieux qui, lorsqu’il est utilisé correctement, conduira le spectateur au sujet. Cependant, s’il est surutilisé, il aura presque certainement l’air mauvais. Le problème avec l’utilisation excessive de croquis dans vos images est qu’il prend le dessus et devient de la photographie. Votre vignette ne doit pas devenir l’élément principal de l’image. Un moyen pratique d’utiliser une vignette consiste à avoir un seul sujet central dans l’image qui contraste avec l’arrière-plan.

Alors, qu’est-ce qui fait un bon montage ?

Cela mérite en fait un article séparé car il y a beaucoup à expliquer pour répondre à cette question. Faites-nous savoir dans les commentaires si vous souhaitez voir un tel article !

En termes simples, un bon montage doit faire une (et non deux) des choses suivantes : être cohérent avec votre travail et améliorer l’image. La cohérence vient de la couleur, de la lumière et d’autres caractéristiques qui définissent votre style en tant que photographe.

Le style visuel peut être un repère dans l’édition, mais il faut des années pour le développer et même dans ce cas, il n’est jamais figé. Vos goûts changent, c’est tout à fait normal. Cela dit, pensez à tous les photographes qui peuvent conserver leur apparence et leurs sensations, quel que soit le sujet devant leur appareil photo.

Le montage doit améliorer votre image, pas la détruire. Si vous réalisez un portrait, vous devez le réaliser sur le plateau et le développer uniquement en post-production. Tout ce que nous faisons en tant que photographes, c’est capter l’énergie, et si l’énergie n’est pas là au début, vous n’aurez pas grand-chose à retoucher plus tard. Le montage ne remplace en aucun cas les images que vous avez tournées sur le plateau.

Réflexions finales

Il est clair que ces erreurs d’édition ne sont généralement qu’une question d’exagération d’un effet. Contraste, saturation, vignette, retouche etc. Il n’y a rien de mal à l’utiliser. Lorsque vous allez trop loin sur quelque chose, des problèmes commencent à surgir. En fait, il vaut mieux aller trop peu que trop.

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